Libri di arte e fotografia Migliori da leggere e consigliati

Gli italiani tendono a sottovalutare le proprie capacità, anche nell’arte ci sono interi capitoli inesplorati. Raffaella Perna è andata alla ricerca di artiste spesso dimenticate che hanno segnato una stagione importante con lavori che volevano evidenziare l’ideologia sottesa ai rapporti di potere che segnano la relazione tra uomo e donna, mostrando l’illusorietà di qualsiasi visione neutra della realtà. Il libro ripercorre l’esperienza della militanza artistica femminista partendo dall’analisi delle opere e dei contesti espositivi, ponendo in luce storie spesso rimaste ai margini del sistema dell’arte. Con un testo di Silvia Bordini.

Riuscireste a immaginare un mondo senza fotografia? Considerata l’odierna abbondanza di immagini fotografiche, vale la pena di considerare quale fosse il significato dell’idea di fotografia prima che questo medium esistesse materialmente. Potremo cosí riflettere su alcune delle questioni fondamentali sollevate dalla fotografia, non soltanto riguardo all’arte (e in particolare alla pittura, che veniva considerata la sua rivale), ma anche per l’intera problematica del ruolo svolto dalle immagini visive nella nostra cultura dai tempi della sua invenzione. Il concetto storico di «fotografia» ha a che fare con un’archeologia del presente e con l’immagine fotografica come la conosciamo oggi. Per quanto la scoperta della fotografia ci appaia ormai remota, la sua invenzione rientra in un insieme piú ampio di trasformazioni industriali che hanno mutato le abilità manuali in arti meccaniche. Oggi, con l’ubiquità della fotografia digitale e i sistemi computerizzati che hanno sostituito i vecchi sistemi analogici, le origini culturali della fotografia ci sembrano ancora piú lontane nel tempo. Vale anche la pena di notare, a questo punto, che tutte le dichiarazioni sulla «fine della fotografia» in conseguenza dell’avvento delle immagini digitali sono state di gran lunga premature… La fotografia digitale non ha negato alla fotografia il diritto di esistere; anzi, oltre ad aver ereditato gli abiti e i beni delle forme analogiche di fotografia, per quanto in forma mutata, ha addirittura rapidamente incrementato tale eredità. Gli ultimi decenni hanno conosciuto un’enorme crescita di interesse per la fotografia artistica e per il ruolo sempre piú centrale che essa svolge all’interno dell’arte moderna e contemporanea. In questo libro, David Bate presenta le principali questioni legate alla fotografia, dall’epoca della sua invenzione nell’Ottocento fino ai giorni nostri. Esplorando i diversi modi attraverso i quali arte e fotografia si sono intrecciate, l’autore sottolinea il ruolo cruciale svolto dall’arte nelle mutazioni dell’immagine fotografica e tutta l’importanza della fotografia per la nascita e l’evoluzione dell’arte moderna. Confrontando efficacemente la panoramica storica e la trattazione tematica, dal pittorialismo e dall’«immagine nuda» documentaria agli usi concettuali, archivistici o narrativi della fotografia, il saggio dimostra quanto questa forma d’arte sia oggi vitale, variegata e in continua espansione. Bate infatti si concentra sulla natura sempre piú globale del fenomeno, dando conto non soltanto del contesto anglo-americano ed europeo, ma anche di quello relativo a importanti regioni emergenti dell’Asia, dell’Africa e del Medio Oriente; e prendendo in considerazione nomi storici come quelli di William Henry Fox Talbot e Roger Fenton e artisti quali Lee Miller, Brassaï, Robert Frank, Nan Goldin, Ed Ruscha e Gillian Wearing.

L’avvento della fotografia ha segnato una svolta nel modo di guardare e di lavorare dell’artista, ma anche la nascita di nuovi orizzonti d’attesa da parte del pubblico nei confronti delle arti figurative. L’influenza della fotografia sull’arte ha infatti radici molto lontane, sebbene nessuno prima di Aaron Scharf avesse mai tentato l’impresa di una ricostruzione attenta e affascinante di questa relazione. In “Arte e fotografia” l’autore indaga gli aspetti più salienti del rapporto tra questi due mezzi espressivi, esplorandone non solo gli scambi reciproci, fitti e complessi, ma anche e soprattutto l’articolato e inedito organismo linguistico nato dalla loro simbiosi.

La fotografia non ha mai cessato di interrogarsi in rapporto alle altre arti e alle forme e ai significati della rappresentazione della realtà. Attraversando i temi e i protagonisti del panorama contemporaneo, Michel Poivert ridefinisce l’identità della fotografia che, approdata oggi a una dimensione originale e autonoma, nel caotico universo delle immagini globalizzate, propone una vera etica del moderno.

Questo libro, divenuto negli anni un punto di riferimento critico indispensabile a livello internazionale, propone un’introduzione alla straordinaria varietà della fotografia d’arte contemporanea. Nel saggio, Charlotte Cotton esamina specifiche tematiche, quali la narrazione nell’arte fotografica, la registrazione dell’insignificante dettaglio dell’esistenza quotidiana o della vita intima, l’uso della fotografia nell’arte concettuale, la prevalenza di una distaccata estetica oggettiva, la fotografia come privilegiato deposito di valori personali, sociali e culturali in un mondo saturo di immagini. Sono oltre 170 i fotografi presentati attraverso il loro lavoro: artisti affermati, come Isa Genzken, Jeff Wall, Sophie Calle, Thomas Demand, Nan Goldin e Sherrie Levine; accanto a talenti emergenti, come Sara VanDerBeek, Rashid Johnson, Anne de Vries e Amalia Ulman. Questa nuova edizione, accresciuta di un capitolo inedito, radicalmente rielaborata e arricchita di oltre cento immagini, rivisita le argomentazioni del volume precedente mettendole in dialogo con le pratiche piú recenti. Ampliando la selezione delle opere presentate, Cotton celebra una nuova generazione di artisti, che sta radicalmente modificando la fotografia per renderla protagonista sempre piú consapevole dell’attuale panorama sociale, politico e culturale. Con 273 immagini a colori e in bianco e nero.