Libri di Bruno Pedretti migliori da leggere e consigliati

Dal culto dell’autore in un’epoca di «creatività democratica» al kitsch e alla parodia come linguaggi obbligati delle arti, dalle «due modernità» divise tra metafore e formule sino alle dispute intorno al valore civile dell’immagine: cinque saggi sulla funzione egemonica dell’estetico nel mondo moderno. Il culto dell’autore e l’autorialità come compensazione della perduta autorità delle culture artistiche, il ruolo del complessivo sistema delle arti in un mondo di «creatività democratica» ed estetizzazione diffusa, la figura del bricoleur come inatteso depositario del pensiero artistico nell’epoca delle «due culture» divise tra metafore e formule, le dispute intorno all’immagine e alle finzioni della «credulità estetica», sino alla parodia come linguaggio obbligato delle arti in una modernità continuamente attratta dal «principio illusione» del kitsch: questi snodi, concetti e problemi vengono connessi nel libro quali segni della funzione sempre più dominante acquisita dall’estetico nel mondo contemporaneo. Evitando le scorciatoie e rigidità manichee che gravano sulle lamentazioni contro il potere dell’immagine, i saggi qui riuniti si configurano come una «rapsodia» critica, tematica e allo stesso tempo narrativa, volta a ritrarre quella che viene definita la moderna civiltà estetica.

Charlotte Salomon, giovane artista ebrea berlinese, prima di essere travolta dall’uragano nazista fece in tempo a raccontare in pittura la propria vita. Nata nel 1917 in una famiglia segnata da numerosi suicidi e vittima della follia razziale hitleriana, morirà a soli ventisei anni, incinta di quattro mesi, in una camera a gas di Auschwitz. È al suo capolavoro autobiografico Vita? o Teatro? (un’opera pittorica, teatrale e musicale) che si ispira Bruno Pedretti, rintracciando nell’esperienza di Charlotte i segni di un dramma che travalica la storia e precipita come tragedia inappellabile. Carica del peso di un dramma familiare che va oltre il suo personale destino, Charlotte sfidò gli estremi del dolore e dell’offesa riscattandoli con l’arte, per lasciarci in eredità uno dei canti più alti del nostro tempo.

Vienna, 1827. Un’immensa folla riempie le strade, riunita per l’estremo saluto al sommo musicista. Tra gli altri anche il giovane Gerhard von Breuning, scosso dai singhiozzi. Lui ha capito che Beethoven, l’uomo collerico, allergico a ogni servilismo, reso burbero dalla sordità, è colui che più di ogni altro ha saputo attingere dagli abissi primordiali dell’umanità il mistero del suono con cui la vita si dichiara. Tokyo, 1872. Mori Noboru rientra in Giappone dopo cinque anni in Europa. Ha studiato la cultura “barbarica” ed è uno dei più convinti fautori del nuovo. La filosofia e le tecniche più moderne dovranno ispirare l’era inaugurata dall’imperatore Meiji, insieme alla musica per pianoforte e alle sinfonie di Beethoven. Ma l’ostilità all’apertura verso l’Occidente cresce intorno a lui sino alla violenza. Solo l’amatissima sorella Yumi si lascerà contagiare dalla meraviglia arcana della musica insieme a Noboru, fino alla vertigine… Berlino, 1947. Il famoso direttore d’orchestra Wilhelm Furtwangler – reduce dall’umiliante “processo di denazificazione” per aver diretto i Berliner Philharmoniker negli anni hitleriani – giunge nella città colma di macerie, percorsa da figure della follia e del dolore e sente che le ombre della storia continuano a soverchiarlo.

Come è emerso in epoca moderna il concetto di opera d’arte e dell’ingegno quale forma dell’incompiuto? Le varie tradizioni artistiche e letterarie del quaderno di meditazioni e dell’abbozzo pittorico, del frammento filosofico e del taccuino di viaggio, del collage visivo e del diario autobiografico mostrano come il declino dello statuto tecnico e finalistico dell’opera abbia aperto la strada a uno statuto viceversa cognitivo delle forme espressive moderne, nelle quali – secondo la definizione di Heinrich von Kleist – “il pensiero viene parlando”. Per affrontare questa profonda trasformazione culturale, il volume procede anch’esso a frammenti che propongono incursioni tra le fonti artistiche, letterarie e filosofiche che meglio restituiscono il rovesciamento del significato delle opere da teleologico in processuale, non finito, rapsodico e memorialistico, così come esso si manifesta in autori che spaziano da Montaigne a Leopardi e Valéry, da Baudelaire a Wittgenstein e Benjamin, dall’impressionismo al Surrealismo e all’arte gestuale. Il declino della verità finalistica delle opere che doveva portarle – come ha scritto Friedrich Nietzsche – “dalla perfezione al divenire”, viene infine analizzato nella deriva verso l’indistinto tra arte e vita, tra finzione e realtà che segna molti fenomeni culturali contemporanei.